El Liceo Coll

El legado de Midgar: de la consola a la cultura de masas

Hablar de Final Fantasy VII (1997) no es solo hablar de un videojuego; es hablar del momento en que el RPG japonés rompió el cascarón y se convirtió en un fenómeno global. Gran parte de esa culpa la tiene la música de Nobuo Uematsu. Lo que hizo Uematsu fue dotar a unos personajes de pocos polígonos de una profundidad emocional cinematográfica, utilizando el leitmotiv no solo como acompañamiento, sino como narrativa pura.

Hoy, esa influencia ha permeado tanto que la encontramos en lugares insospechados: desde remixes de bandas de indie-rock hasta las pasarelas de la alta costura parisina.

1. Love of Lesbian y el «motorismo» de Jénova

En el remix de «Club de fans de John Boy», la base rítmica y sintética establece un diálogo directo con el tema J-E-N-O-V-A.

El tema de Jénova se construye sobre un ostinato en corcheas constantes que genera una sensación de avance inexorable. En el remix de Love of Lesbian, se replica esta cadencia motorista, utilizando un sintetizador con un filtro de corte que emula la frialdad industrial de la banda sonora original. Al inicio de la canción parece que entramos con el tren en el primer reactor del juego.

Uematsu juega con la armonía y la tensión para desdibujar la tonalidad clara, creando una atmósfera de valle inquietante. Este remix aprovecha esa misma ambigüedad tonal en sus capas electrónicas para transformar una canción pop en una pieza de tensión narrativa.

La conexión es atmosférica y estructural. El tema original de Jénova se apoya en un bajo sintético persistente y un ritmo marcado, casi industrial, que transmite una sensación de «amenaza alienígena» o algo que no pertenece a este mundo. En el remix, la intro utiliza un arpegio sintetizado y una base rítmica que calca esa cadencia mecánica. Es un uso del sintetizador que busca crear tensión constante, una técnica que Uematsu perfeccionó para describir la naturaleza artificial y aterradora de Jénova.

Es la prueba de que el lenguaje del JRPG ha educado el oído de una generación de músicos. La «oscuridad electrónica» de FF7 se ha convertido en un recurso estándar para generar misterio en el pop contemporáneo.

2. Deconstrucción y capas: la evolución del leitmotiv en el remake

El tratamiento de «J-E-N-O-V-A — Quickening» en la nueva trilogía es una lección magistral de cómo actualizar un clásico sin perder su esencia.

A diferencia del tema original de 1997 (que era un bucle infinito debido a las limitaciones de memoria), el nuevo arreglo es reactivo. La música crece conforme avanza el combate. Se mantiene la base electrónica, pero se le añade una capa orquestal masiva. Los violines en staccato (acortan las notas con respecto al original y así quedan separadas por un silencio de la nota siguiente en la melodía) refuerzan la urgencia, mientras que los coros le dan una dimensión mítica.

Se siente un uso intensivo de maderas en registros agudos y una sección de metales que refuerza las suspensiones de notas. Técnicamente, la pieza está diseñada mediante capas de audio y a medida que el combate escala, se añaden capas de percusión orquestal y coros, transformando el sintetizador original en un clímax sinfónico-electrónico. Es la transición del minimalismo funcional al maximalismo cinemático.

El leitmotiv ya no solo anuncia al enemigo; ahora narra la batalla. Es una estructura de capas que se van sumando, una técnica moderna que justifica por qué esta música sigue siendo vanguardista décadas después.

3. Sephiroth y el salto a la alta costura (Louis Vuitton)

Que el tema de Sephiroth («One-Winged Angel») haya resonado en un desfile de Louis Vuitton es el hito definitivo de la democratización del videojuego.

Estamos ante una pieza inspirada en el Carmina Burana de Orff y el rock progresivo. Es grandilocuente, agresiva y puramente épica.

¿Por qué Louis Vuitton? La moda busca el impacto y la identidad. «One-Winged Angel» suena a poder, a vanguardia y a una estética japonesa que mezcla lo futurista con lo gótico. Ya sucedió hace diez años en cierta forma con Lightning, protagonista del FFXIII.

El hecho de que una marca de lujo use un tema de un villano de RPG demuestra que la barrera entre cultura nicho y cultura de élite va desapareciendo. Sephiroth ya no es solo un personaje; es un icono estético global (y sí, los memes de sus labios son otra muestra).

La agresividad rítmica propia del rock de los 70 remite a Emerson, Lake & Palmer y el uso de intervalos de tritono (el diabolus in musica) y los cambios de compás irregulares otorgan a la pieza una arrogancia sonora que encaja con la estética de vanguardia. Para una firma de lujo, esta música no representa un juego, sino un arquetipo de poder y sofisticación técnica que rompe con la música ambiental convencional de pasarela.

La vigencia de Final Fantasy VII radica en su solidez estructural. Uematsu no escribió simples melodías; diseñó un ecosistema sonoro basado en la repetición y variación de temas que son fácilmente reconocibles incluso al ser descontextualizados. Hace unas semanas, con este artículo todavía en construcción, identifiqué en una reunión de amigos con música de fondo hasta dos reminiscencias —diría incluso que samples— de Final Fantasy.

Que un grupo de rock indie utilice su rítmica o que la moda de lujo recurra a su épica coral demuestra que estas composiciones poseen una coherencia lógica y una riqueza armónica equiparable a las grandes bandas sonoras de la historia del cine. En definitiva, la música de FFVII dejó hace tiempo de ser una banda sonora de apoyo para convertirse en un referente de la composición moderna, capaz de articular mensajes de tensión, lujo o nostalgia en cualquier estrato cultural.

La música de Final Fantasy VII ha logrado algo que muy pocas bandas sonoras consiguen: sobrevivir al soporte para el que fueron creadas. Ya no necesitamos tener un mando en las manos para sentir la tensión de Jénova o la majestuosidad de Sephiroth. Y es que, el poder de FF7 no reside solo en su nostalgia, sino en un diseño sonoro que puede adaptarse a cualquier género o contexto, confirmando que el videojuego es, desde hace unos años, una de las grandes fuentes de inspiración del siglo XXI.